By Helena Connell

Translated by Ambre Marois

Designer's School Showcase: UnIVeRsaLly DoMiNanT!!

Designer's Instagram: Min-Ji
Designer's Brand Instagram: Min-Ji Kim Studio

Whether she uses bras and boyhood fantasies or ties and tropes, Min-Ji Kim refashions sexualized femininity to re-empower the female body, or any objectified body for that matter, in her graduate collection, “UnIVerSaLly DoMiNanT.” 

Three years ago, on a sweltering summer day, Min-Ji Kim found Pin-Up magazines from the 1950s stashed away in her late grandfather’s closet. These salacious stowaways, collected by her grandfather during his service as a pilot in the Korean War, inspired Kim to create her collection. The magazines marketed goods using the female frame—literally placing products primarily sold to men on the bodies of women since sex sells, insert sigh. To Kim, these depictions of women, whilst degrading, also showed the inherent power the feminine figure possessed at this moment in time, the ability to persuade or motivate men. The female frame seduced the soldiers into purchasing the Pin-Ups. In her interview with Nina Maria of 1Granary, Kim adds, “there are many images of women draped with objects sold primarily to men [in American Pin-Ups] and I see this through the lens of strength and power of the feminine body.” Thus, to some, like Kim, the Pin-Ups empowered women because they celebrated the force that is female sexuality. 

Kim re-imbues strength into the female physique without condoning the sexual objectification of the female body. She repackages power in her womenswear collection by playing with colors, textiles, and silhouettes that unapologetically take up space as opposed to designing creations that cater directly to the male gaze. 

Min-Ji Kim reconsiders the relationship between womenswear and strength by playing with colors, textiles, and silhouettes characteristic of menswear and fusing them with feminine elements. Her designs take up space and at times conceal the figure. For her oversized J.J. Knitted Jacket–the finishing look for UnIVerSaLly DoMiNanT–Kim repackages the blazer, a piece associated with masculine traits, like assertiveness and control, as an article of clothing that can be worn by anyone and not just businessmen. Kim expertly weaves colors perceived as feminine, like pink, green, and yellow, with red–a color traditionally viewed as masculine, to present the blazer as gender-fluid. Freestanding and pink with patterns of red, yellow, and green, this blazer encapsulates the domineering attitude traditionally associated with masculinity. The exaggerated silhouette of the jacket combined with its contrast coloring demands attention. Kim appropriated aspects of menswear and womenswear to create genderless looks free from sexualization yet that are infused with a cleansed, reconceptualized view of authority.  

Kim disrupts the gendered view of power yet again with her “Big Daddy Tie.” As can be deduced from its name, this near floor length baby blue tie plays on an idealized perception of masculinity, the antiquated trope of men being the breadwinner of their families. Hidden behind this hyperbolized exterior, however, is what appears to be a satin blue bralette, potentially reminiscent of women since those who identify as females traditionally wear bras. It’s possible Min-Ji Kim juxtaposes these two elements to showcase the stereotypical depiction of power as related to gender. For instance, men traditionally derive control from wealth, hence the businesslike tie, whereas women, for centuries, needed to often rely on their looks to negotiate even an ounce of control within a heterosexual relationship, ergo Kim highlights the breasts with her bralette. The tie, because of its stature, dominates the design, concealing the bralette, just like men, at one point in time, controlled their wives. 

Interestingly, Kim covers the bralette with the farce of a tie, subtly communicating that this binary view of power is delusional and outdated. She writes to me, “the specific message for the “Big Daddy Tie!” was [about] emphasizing the idea of masculinity and pushing that to the extreme. I imagined these “classy” men who wore a full suit and tie, reading the Pin-Up magazines, and I wanted to play with that through size.” It’s through size and her choice of garments in this creation that helps Kim dismantle binary thinking. 

Materials and textiles, like glass and leather, also helped this young designer reimagine the relationship between womenswear and control. For her first creation, Min-Ji practiced the art of glassblowing to create objects that mimicked the items placed on the women in the Pin-Ups. In her interview with LCF’s Lubna Hussain, Kim articulates that “glass is a material that holds many juxtapositions as it is flexible but unyielding, fragile but strong, transparent but opaque.” Similar to the strength inherent in glass, leather–which she incorporates via the 1950s pilot suit–conveys robustness to Kim. She confessed to me, “I wanted to strengthen the body rather than it being just revealing, so I added the archetype of the 1950s pilot suit worn during the Korean War and by the armory as well.”  The harness of the suit, which looks to be made from leather, stands in direct contrast to the fragility of the glass. Together, however, the design exudes a genderless power. 

As opposed to the Pin-Ups who made female sexuality the focal point of their product, Kim designs creations not for the purpose of attracting the male gaze. At times, her work even teases–and dare I say-condemns the male gaze. She incorporates elements traditionally viewed as fragile and feminine, such as glass and skirts, into her designs, but pairs these pieces with materials, like leather, and oversized silhouettes, which typically denote masculinity to disrupt the binary at play in the Pin-Ups and world today.

Just like her creation of a fluid womenswear collection using a variation of masculine and feminine stereotypes, Min-Ji Kim fashioned her sense of self from a variety of sources during this project. She credits the cultures of Korea, Singapore, Hong Kong, and America for influencing her identity as both a person and designer. UnIVerSaLly DoMiNanT, a title that uses both capitalized and non-capitalized letters to convey Kim’s journey with dyslexia as she admitted to Hussain back in February 2023, offered this designer an avenue to explore her Korean heritage, as well as embrace the other cultural influences that played a part in her upbringing. Kim reminds us that we’re all an amalgamation of experiences, ideas, and beliefs. We don’t need to subscribe to one identity or remain static in our stances. We’re allowed to be one or three versions of ourselves, if not more, all at once. 

In your interview with Lubna Hussain for London College of Fashion, you spoke about the challenges you faced in regard to crafting your cultural identity as a result of growing up in 4 different countries: Korea, Singapore, Hong Kong, and America. Was “‘UnIVerSaLly DoMiNanT!!!” a way for you to create an identity for yourself that recognizes the four cultures you were introduced to over the course of your childhood?
What does it mean to you to be “universally dominant?” What do you want it to mean to
others?

“‘UnIVerSaLly DoMiNanT!!!” definitely was a way for me to create and find my identity as the core concept was to embrace the four cultures within myself. To be universally dominant means
to be completely, brazenly, unapologetically be dominantly yourself. The size, the colours, and
the silhouettes for my collection are all bold and rebellious. I wanted to convey the idea of taking up
as much space as possible as a way to completely own one’s space.

What encouraged you to pursue design as a career?

Unlike many others who may say that they knew fashion was their calling from a young age, I
struggled a lot not knowing what I wanted to do for most of my life. I applied to my BA
university,RISD, as an industrial design major thinking that it was meant for me, but it totally
wasn’t. I kind of trusted my own strengths which is colour, texture, and creating silhouettes and
decided to major in Textiles for my BA. I absolutely loved every part of it. But the more I was
in the industry, I realized that I wanted to do more than just textiles and learn how to apply my
textiles onto the body as it became a vehicle to get my concept across in my visceral manner.

How would you describe your style as a designer?

Bold, rebellious, big, bright, fun, and unapologetic.

What are some of the key inspirations that influence your work?

A lot had to do with being lost and finding who I am through identity and culture. My
grandparents and their upbringing had a lot of influence for my collection as I took a lot of
inspiration from what my grandfather wore everyday to work (suit, tie, and trousers), and how
the American dream/culture [was conveyed] through being a pilot during [Korean] War.
Sportswear [influenced me] as well [since] I grew up as a tomboy and played sports most of my adolescence.

You discussed in the LCF interview that your grandfather’s collection of Pin-Upmagazines inspired your most recent designs.
Walk us through your emotions when finding these materials on that hot summer day three years ago. Was your grandfather with you cleaning out his closest? Did you get to discuss your revelation regarding your cultural heritage with him? If not, what would you wish to say to him now? What would he think of your collection?

My grandfather passed away when I was two years old and so I never really knew him. I have
always just been told stories about him, and I patched up all of these stories to create a
background narrative of him. Because I didn’t really get to know him, his collection of Pin-Up
magazines were the only thing he left behind and it became a beacon for me to understand my
own cultural identity of having so much American influences within my Korean heritage. I would probably tell him that he means a lot to me and he deeply influences who I am today. I think he would have thought my collection to be a bit bizarre and outlandish; he would softly
laugh. He was quite conservative but I know he would be proud at the same time.

How did you turn your revelation into reality, meaning how did you make your ideas
tangible? Which look in your collection came to you first after seeing the magazines? Do
you first collect materials and get inspired by them or do you collect materials only after
you have the designs sketched? I ask this because you mentioned in your interview with
Hussain that you used glass and leather in your designs to create a balance between
materials traditionally viewed as masculine and feminine.

The look that came to me first was the titan harness as I glass-blowed abstract visceral shapes
that mimicked and conveyed the same trajectory of the objects randomly but also strategically
placed onto the woman’s body to sell for the male gaze. I started draping the glass blown
artifacts onto the body to see what narrative and materials I could be inspired through the draping
process. I wanted to strengthen the body rather than it being just revealing, and so I added the
archetype of the 1950s pilot suit worn during the Korean War and by armory as well.

You imbue your designs with social and political commentary. What do you hope people
take away from your designs?

I love the idea of taking up space unapologetically. Whether it is to do with the actual size of
space or not, I seek taking up space through colour, silhouette, and size. I hope that others can
feel bold and confident when wearing my garments as I did when creating and wearing them myself.

What have you learned about yourself throughout the process of creating this collection?

I learned that if you persist and not give up, anything is possible. The struggles I had producing my textiles on time was incredibly laborious as production is a different type of difficulty I think most fashion designers face. But starting early, and making firm decisions really helped me execute my collection to where it is now.

Do you have a favorite look in your collection? Personally, I’m enamored with your 'Big
Daddy Tie!' Was there a specific message you wanted to say with this look?

My favourite was my finishing look, the J.J Jacket, as it took me at least 13 toiles to get to where
the jacket is finally standing on its own without being so heavy. It was extremely difficult
technically and I learned so much from creating that garment.

Thank you! The specific message for the ‘Big Daddy Tie!” was emphasizing the idea of masculinity and pushing that to the extreme. I imagined these “classy” men who wore a full suit and tie, reading these pin up magazines, and I wanted to play with that idea through size.

How has your experience in (school/interning) forged your progression as a designer?

The experiences I gained from school and interning really shaped me as the designer I am today.
University was a learning space and platform for me to freely express myself without any fear of
failure of exploring, experimenting, and diving deep into my concept. Interning helped with
understanding what it takes and the requirements to be in this industry as fashion is a business at
the end of the day. It taught me that I will have to make compromises when it comes to design
through cost and time, and how important networking is.

What excites you about fashion?

Honestly everything! I love fashion, and I feel that it is such an exciting and visceral field to be a
part of. I love that fashion can carry such deep concepts, meanings, and narratives that are woven
into the garments. It is the most direct expression of self and identity, and how can you not love
that?
We are seeing a revolution in the way fashion is done. For example, brands are increasingly focused on digital mediums to share their work as a result of the pandemic.

What is something specific you would change about the industry?

I don’t really love the way that brands now are so focused on social media as we rely on the
validation of the crowd when we do this. Although it’s a beautiful tool to reach a larger audience
across the world, I also feel that it’s incredibly ingenuine at times. Fashion is an authentic craft to
me, and I do think that the digital medium does take away as fashion becomes alive when it is
seen, touched, and worn in person.

What are the ways you are tackling sustainability as a brand, and how does that fit into your creative process?

Sustainability is incredibly important to me as a designer. I have a strong textiles background and
I understand how to create fabrics deeply. I get to control and choose what goes in the fabric,
what fibers, where the yarns come from, how it’s made, etc. For all of my knitted garments, I
mainly useddeadstock yarnssourced byDenier Studio. Deadstock yarns are quite tricky to use
as the colours are limited to whatever there is in stock, and so I had to improvise with what they
had, and/or I had to source it myself at times when there wasn’t a shade I really needed in the
collection, when it came to choosing colours especially. I also knit my garments fully fashioned,
meaning I shape the garments of the knit on the machine, and this allows me to waste less as I
am not wasting any extra fabric/yarns.

How is our modern world shaping the future of fashion? Where do we go from here?
I think social media has been and is shaping the future of fashion especially today where a lot of
influencers are invited to fashion shows and runways. I am hoping it’ll stray away from that as I
feel many young fashion designers would benefit more from being invited. I also do think as we
are experiencing a recession, fashion today is a lot more toned down, simple, and straight
forward which I feel restrains creativity a bit.

How important is size inclusivity to you, as well are shifting beauty standards?

It is extremely important to me. I think any designer should always have the natural instinct to
want to dress anyone and in any size. I am open to design for anyone, and believe it’s a key part
to my collection! I always start with picking my models for my collection and always ask what
makes them feel most confident when wearing clothes. From there, I make sure that the garments
fit them not only physically but also their demeanor and character to make sure the garments
don’t wear them but [that] they wear the garments.

What should we hope to see from you in the next few years?

New seasons, new garments, and more insane, fun, explosive, exciting things :)

If you could dress anyone in the world, who would it be and why?

Lady Gaga!She is just such an icon, a dream. I remember when I was young and afraid to speak
out my opinions. I just loved how she didn't care about what others thought of her and was
herself all throughout her career. She also is such a transcendent artist to me, who is way ahead
of time and supported the LGBTQ community way before the community we have today. She is
such a big inspiration for me, and I would not know how to handle myself if I got the chance to
dress her.

If you could give advice to your younger self or a younger designer, what would you say?

To never be afraid. An amazing professor I met in my BA calledMaha Barhsomwas one of the
few professors that truly believed in me and my vision. She would always tell me to never be
afraid, especially failure, and I carry that with me wherever I go.

Image Information

Creative Direction: Min-Ji Kim

Photography: Wayne La

Stylist: Chantel Des Vignes
Makeup: Beth Eltringham

Models: Jack, Holly Wyche, Jaban King, Simonétta Bucciarati, Xristina Prompona

Shoes: Damla Stila

MIN-JI KIM

Par Helena Connell

Translated by Ambre Marois

Vitrine de l'école de design : UnIVeRsaLly DoMiNanT!!

Instagram de la créatrice : Min-Ji

Instagram de la marque de la créatrice : Min-Ji Kim Studio

Qu'elle utilise des soutiens-gorge et des fantasmes d'enfance ou des cravates et des tropes, Min-Ji Kim refaçonne la féminité sexualisée pour redonner du pouvoir au corps féminin, ou à tout autre corps objectivé d'ailleurs, dans sa collection de fin d’études, “UnIVerSaLly DoMiNanT.” 

Il y a trois ans, par une journée d'été étouffante, Min-Ji Kim a trouvé des magazines de Pin-Up des années 1950 dans le placard de son grand-père décédé. C'est à partir de ces documents de débauche, rassemblés par son grand-père lors de son service en tant que pilote pendant la guerre de Corée,  que Min-Ji Kim a décidé de créer sa collection. Les magazines commercialisaient des produits en utilisant le cadre féminin, c'est-à-dire en plaçant littéralement sur le corps des femmes des produits principalement vendus aux hommes, car le sexe fait vendre, insérez un soupir. Pour Kim, ces représentations de femmes, bien que dégradantes, montraient également le pouvoir inhérent à la figure féminine à cette époque, la capacité de persuader ou de motiver les hommes. Le cadre féminin séduisait les soldats et les incitait à acheter les pin-up. Dans son entretien avec Nina Maria de 1Granary, Kim ajoute : "il y a beaucoup d'images de femmes drapées avec des objets vendus principalement aux hommes (dans les Pin-Ups américaines) et je vois cela sous l'angle de la force et du pouvoir du corps féminin". Ainsi, pour certains, comme Kim, les pin-up ont donné du pouvoir aux femmes parce qu'elles célébraient la force de la sexualité féminine.

Kim redonne de la force au physique féminin sans tolérer l'objectivation sexuelle du corps de la femme. Elle réorganise le pouvoir dans sa collection de vêtements pour femmes en jouant avec les couleurs, les textiles et les silhouettes qui prennent de l'espace de manière non dissimulée, au lieu de concevoir des créations qui s'adressent directement au regard masculin. 

Min-Ji Kim reconsidère la relation entre la mode féminine et la force en jouant avec les couleurs, les textiles et les silhouettes caractéristiques de la mode masculine et en les fusionnant avec des éléments féminins. Ses créations prennent de la place et cachent parfois la silhouette. Pour sa veste en maille surdimensionnée J.J., , qui a été le dernier look de UnIVerSaLly DoMiNanT, Kim transforme le blazer, une pièce associée à des traits masculins tels que l'assurance et le contrôle, en un vêtement qui peut être porté par tout le monde et pas seulement par les hommes d'affaires. Kim marie habilement des couleurs perçues comme féminines, telles que le rose, le vert et le jaune, avec le rouge, une couleur traditionnellement considérée comme masculine, afin de présenter le blazer comme un vêtement qui peut être porté par n'importe qui. Indépendant et rose avec des motifs rouges, jaunes et verts, ce blazer incarne l'attitude dominatrice traditionnellement associée à la masculinité. La silhouette exagérée de la veste, combinée à ses couleurs contrastées, attire l'attention. Kim s'est approprié des aspects de la mode masculine et féminine pour créer des looks sans genre, exempts de sexualisation, mais imprégnés d'une vision purifiée et reconceptualisée de l'autorité.  

Kim perturbe une fois de plus la vision sexuée du pouvoir avec sa cravate “Big Daddy Tie.” Comme on peut le déduire de son nom, cette cravate bleu layette presque au ras du sol joue sur une perception idéalisée de la masculinité, le trope désuet de l'homme qui est le soutien de sa famille. Derrière cet extérieur hyperbolisé se cache toutefois ce qui semble être une bralette bleu satin, qui pourrait rappeler les femmes, puisque celles qui s'identifient comme telles portent traditionnellement des soutiens-gorge. Il est possible que Min-Ji Kim juxtapose ces deux éléments pour illustrer la représentation stéréotypée du pouvoir lié au genre. Par exemple, les hommes tirent traditionnellement leur pouvoir de leur richesse, d'où la cravate d'affaires, tandis que les femmes, pendant des siècles, ont souvent dû compter sur leur apparence pour négocier ne serait-ce qu'une once de contrôle dans une relation hétérosexuelle, d'où la bralette de Kim qui met en valeur les seins. La cravate, en raison de sa stature, domine le dessin, dissimulant la bralette, tout comme les hommes, à une certaine époque, contrôlaient leurs épouses. 

Il est intéressant de noter que Kim recouvre la bralette avec la farce d'une cravate, communiquant subtilement que cette vision binaire du pouvoir est illusoire et dépassée. Elle m'écrit : "Le message spécifique de "Big Daddy Tie !" était de souligner l'idée de masculinité et de la pousser à l'extrême. J'imaginais ces hommes "classes" qui portaient un costume et une cravate, qui lisaient les magazines Pin-Up, et je voulais jouer avec cela par le biais de la taille". C'est grâce à la taille et au choix des vêtements dans cette création que Kim parvient à démanteler la pensée binaire.

Les matériaux et les textiles, comme le verre et le cuir, ont également aidé cette jeune créatrice à réimaginer la relation entre le vêtement féminin et le contrôle. Pour sa première création, Min-Ji s'est exercée à l'art du soufflage du verre pour créer des objets qui imitent les articles placés sur les femmes dans les Pin-Ups. Dans son entretien avec Lubna Hussain de la LCF’, Kim explique que "le verre est un matériau qui présente de nombreuses juxtapositions, car il est à la fois souple et inflexible, fragile et solide, transparent et opaque". À l'instar de la force inhérente au verre, le cuir, qu'elle incorpore par le biais d'une combinaison de pilote des années 1950, incarne la robustesse pour Kim. Elle m'a avoué : "Je voulais renforcer le corps plutôt que de le révéler, alors j'ai ajouté l'archétype de la combinaison de pilote des années 1950, portée pendant la guerre de Corée et par l'armurerie.  Le harnais de la combinaison, qui semble être en cuir, contraste directement avec la fragilité du verre. L'ensemble dégage cependant une puissance non sexiste.

Contrairement aux Pin-Ups qui faisaient de la sexualité fémini le point central de leur produit, Kim conçoit des créations qui n'ont pas pour but d'attirer le regard masculin. Parfois, son travail taquine; et j'ose dire condamne, le regard masculin. Elle incorpore dans ses créations des éléments traditionnellement considérés comme fragiles et féminins, tels que le verre et les jupes, mais associe ces pièces à des matériaux, tels que le cuir, et à des silhouettes surdimensionnées, qui dénotent généralement la masculinité, afin de perturber le modèle binaire en vigueur dans les pin-up et dans le monde d'aujourd'hui.

À l'instar de sa création d'une collection de vêtements féminins fluides utilisant une variation de stéréotypes masculins et féminins, Min-Ji Kim a façonné sa perception d'elle-même à partir d'une variété de sources au cours de ce projet. Elle attribue aux cultures de Corée, de Singapour, de Hong Kong et d'Amérique le mérite d'avoir influencé son identité en tant que personne et en tant que créatrice. UnIVerSaLly DoMiNanT, un titre qui utilise à la fois des lettres majuscules et minuscules pour évoquer le parcours de Kim en matière de dyslexie, comme elle l'a avoué à Hussain  en février 2023, a permis à cette créatrice d'explorer son héritage coréen et d'embrasser les autres influences culturelles qui ont joué un rôle dans son éducation. Kim nous rappelle que nous sommes tous un amalgame d'expériences, d'idées et de croyances. Nous n'avons pas besoin de souscrire à une identité ou de rester statiques dans nos positions. Nous avons le droit d'être une ou trois versions de nous-mêmes, voire plus, à la fois.

Dans l'entretien que vous avez accordé à Lubna Hussain pour le London College of Fashion, vous avez parlé des défis que vous avez dû relever pour forger votre identité culturelle, car vous avez grandi dans quatre pays différents : la Corée, Singapour, Hong Kong et les États-Unis. Est-ce que "UnIVerSaLly DoMiNanT !!!" a été pour vous un moyen de vous créer une identité qui reconnaisse les quatre cultures auxquelles vous avez été confrontée au cours de votre enfance ? Qu'est-ce que cela signifie pour vous d'être "universellement dominant" ? Que voulez-vous que cela signifie pour les autres ?

“‘UnIVerSaLly DoMiNanT!!!” a certainement été un moyen pour moi de créer et de trouver mon identité, car le concept de base était d'embrasser les quatre cultures en moi. Être universellement dominant signifie être complètement, effrontément et sans hésitation dominant soi-même. La taille, les couleurs et les silhouettes de ma collection sont toutes audacieuses et rebelles. Je voulais transmettre l'idée de prendre le plus d'espace possible comme un moyen de s'approprier complètement son espace.

Qu'est-ce qui vous a incité à faire carrière dans le stylisme ?

Contrairement à beaucoup d'autres qui peuvent dire qu'ils savaient que la mode était leur vocation dès leur plus jeune âge, j'ai eu beaucoup de mal à savoir ce que je voulais faire pendant la plus grande partie de ma vie. J'ai postulé dans la licence en arts de mon université, RISD, en tant qu'étudiante en design industriel, pensant que c'était fait pour moi, mais ce n'était pas du tout le cas. J'ai fait confiance à mes propres forces, à savoir la couleur, la texture et la création de silhouettes, et j'ai décidé de me spécialiser dans les textiles pour ma licence. 

J'ai adoré tous les aspects de cette discipline. Mais plus j'étais dans l'industrie, plus j'ai réalisé que je voulais faire plus que du textile et apprendre à appliquer mes textiles sur le corps, car c'était devenu un moyen de faire passer mon concept d'une manière viscérale.

Comment décririez-vous votre style en tant que styliste ?

Audacieux, rebelle, grand, brillant, amusant et sans complexe.

Quelles sont les principales sources d'inspiration qui influencent votre travail ?

Mes grands-parents et leur éducation ont eu une grande influence sur ma collection. Il s'agissait en grande partie de se perdre et de trouver qui j'étais à travers la question de l’identité et la culture. 

Je me suis en effet beaucoup inspiré de ce que mon grand-père portait tous les jours au travail (costume, cravate et pantalon) et de la façon dont le rêve et la culture américaine [étaient véhiculés] par le fait d'être pilote pendant la guerre de [corée].
Les vêtements de sport m'ont également influencée, car j'ai grandi comme un garçon manqué et j'ai fait du sport pendant la majeure partie de mon adolescence.

Lors de l'entretien avec le LCF, vous avez indiqué que la collection de pin-up de votre grand-père avait inspiré vos créations les plus récentes.

Racontez-nous les émotions que vous avez ressenties en découvrant ces documents par cette chaude journée d'été il y a trois ans. Votre grand-père était-il avec vous en train de vider ses placards ? Avez-vous pu discuter avec lui de votre révélation concernant votre héritage culturel ? Si ce n'est pas le cas, que souhaiteriez-vous lui dire maintenant ? Que penserait-il de votre collection ?

Mon grand-père est décédé lorsque j'avais deux ans et je ne l'ai donc jamais vraiment connu. On m'a toujours raconté des histoires sur lui, et j'ai rassemblé toutes ces histoires pour créer un arrière-plan narratif à son sujet. Comme je ne l'ai pas vraiment connu, sa collection de magazines Pin-Up était la seule chose qu'il avait laissée derrière lui, et elle est devenue un phare qui m'a permis de comprendre ma propre identité culturelle en ayant tant d'éléments américains au sein de mon héritage coréen. Je lui dirais probablement qu'il compte beaucoup pour moi et qu'il influence profondément ce que je suis aujourd'hui. Je pense qu'il aurait trouvé ma collection un peu bizarre et farfelue ; il aurait doucement ri. Il était assez conservateur, mais je sais qu'il aurait tout de même été fier .

Comment avez-vous transformé votre révélation en réalité, c'est-à-dire comment avez-vous rendu vos idées tangibles ? Quel look de votre collection vous est apparu en premier après avoir vu les magazines ? Est-ce que vous commencez par collecter des matériaux et vous vous en inspirer ou vous ne collectez des matériaux qu'après avoir esquissé les dessins ? Je vous pose cette question parce que vous avez mentionné dans votre entretien avec Hussain que vous utilisiez le verre et le cuir dans vos créations pour créer un équilibre entre les matériaux traditionnellement considérés comme masculins et féminins.

L'aspect qui m'est apparu en premier était le harnais de titan, car j'ai soufflé sur le verre des formes viscérales abstraites qui imitaient et transmettaient la même trajectoire que les objets placés au hasard mais aussi stratégiquement sur le corps de la femme pour la vendre au regard masculin..J'ai commencé à draper les artefacts en verre soufflé sur le corps pour voir quelle narration et quels matériaux pourraient m'inspirer le processus de drapage. Je voulais renforcer le corps plutôt que de le révéler,  et j'ai donc ajouté l'archétype du pilote des années 1950  portée pendant la guerre de Corée et par l'armurerie également.

Vous imprégnez vos créations de commentaires sociaux et politiques. Qu'espérez-vous que les gens retiennent de vos créations ?

J'aime l'idée d'occuper l'espace sans se cacher. Qu'il s'agisse ou non de la taille réelle de l'espace ou non, je cherche à occuper l'espace par la couleur, la silhouette et la taille. J'espère que les autres puissent se sentir audacieux et confiants lorsqu'ils portent mes vêtements, comme je l'ai fait lorsque je les ai créés et portés moi-même.

Qu'avez-vous appris sur vous-même tout au long du processus de création de cette collection ?

J'ai appris que si l'on persiste et que l'on n'abandonne pas, tout est possible. Les difficultés que j'ai eues à produire mes créations dans les délais impartis ont été incroyablement laborieuses, car la production est un type de difficulté différent auquel, je pense, la plupart des créateurs de mode sont confrontés. Mais le fait de commencer tôt et de prendre des décisions fermes m'a vraiment aidée à mener ma collection là où elle est aujourd'hui.

Avez-vous un look préféré dans votre collection ? Personnellement, je suis fasciné par la cravate "Big Daddy Tie ! Y avait-il un message spécifique que vous vouliez faire passer avec ce look ?

Mon look préféré est mon look final, la veste J.J, car il m'a fallu au moins 13 toiles pour arriver à ce que la veste se tienne enfin debout toute seule sans être trop lourde. C'était extrêmement difficile techniquement et j'ai beaucoup appris en créant ce vêtement.

Je vous remercie ! Le message spécifique de ‘Big Daddy Tie!” mettait l'accent sur l'idée de masculinité et la poussait à l'extrême. J'imaginais ces hommes "classes" qui portaient un costume complet et une cravate, lisant ces magazines de pin-up, et je voulais jouer avec cette idée par le biais de la taille.

Comment votre expérience (école/stage) a-t-elle favorisé votre progression en tant que designer ?

Les expériences que j'ai acquises à l'école et lors de mes stages m'ont vraiment permis de devenir la créatrice que je suis aujourd'hui.

L'université a été pour moi un espace d'apprentissage et une plateforme qui m'a permis de m'exprimer librement, sans crainte d'échouer, d'explorer, d'expérimenter et de plonger profondément dans mon concept. Le stage m'a aidée à comprendre ce qu'il faut faire et les exigences pour travailler dans ce secteur, car la mode est un commerce en fin de compte. J'ai appris que je devais faire des compromis en matière de design, en termes de coûts et de temps, et à quel point le travail en réseau est important.

Qu'est-ce qui vous passionne dans la mode ?

Honnêtement, tout ! J'adore la mode et j'ai l'impression que c'est un domaine passionnant et viscéral. J'aime que la mode puisse véhiculer des concepts, des significations et des récits aussi profonds que ceux qui sont tissés dans les vêtements. C'est l'expression la plus directe de soi et de son identité, et comment ne pas aimer cela ?

Nous assistons à une révolution dans la manière de faire de la mode. Par exemple, les marques se concentrent de plus en plus sur les supports numériques pour partager leur travail en raison de la pandémie.

Qu'est-ce que vous changeriez dans le secteur de la mode ?

Je n'aime pas vraiment la façon dont les marques se concentrent aujourd'hui sur les médias sociaux, car nous nous appuyons sur la validation de la foule lorsque nous le faisons. Bien qu'il s'agisse d'un outil formidable pour atteindre un public plus large à travers le monde, j'ai également l'impression qu'il est parfois incroyablement ingénu. Pour moi, la mode est un métier authentique, et je pense que le support numérique enlève de la valeur à la mode, qui devient vivante lorsqu'on la voit, qu'on la touche et qu'on la porte en personne.

Comment abordez-vous la question du développement durable en tant que marque, et comment cela s'intègre-t-il dans votre processus de création ?

La durabilité est incroyablement importante pour moi en tant que créatrice. J'ai une solide formation en textile et je sais comment créer des tissus en profondeur. Je peux contrôler et choisir ce qui entre dans la composition du tissu, quelles fibres, d'où viennent les fils, comment ils sont fabriqués, etc. Pour tous mes vêtements tricotés, j'ai principalement utilisé des fils de récupération fournis par Denier Studio. Les fils de récupération sont assez difficiles à utiliser car les couleurs sont limitées à ce qu'il y a en stock, et j'ai donc dû improviser avec ce qu'ils avaient, et/ou j'ai dû m'approvisionner moi-même à certains moments lorsqu'il n'y avait pas une nuance dont j'avais vraiment besoin dans la collection, en particulier lorsqu'il s'agissait de choisir des couleurs. Je tricote également mes vêtements intégralement, c'est-à-dire que je façonne les vêtements à partir du tricot sur la machine, ce qui me permet de réduire le gaspillage car je ne gaspille pas de tissu ou de fils supplémentaires.

Comment notre monde moderne façonne-t-il l'avenir de la mode ? Quelle est la voie à suivre ?

Je pense que les médias sociaux ont façonné et façonnent encore l'avenir de la mode, surtout aujourd'hui où de nombreux influenceurs sont invités aux défilés de mode. J'espère que l'on s'éloignera de cela, car je pense que de nombreux jeunes créateurs de mode bénéficieraient davantage d'être invités. Je pense aussi qu'en cette période de récession, la mode est aujourd'hui beaucoup plus sobre, simple et directe, ce qui freine un peu la créativité.

Quelle importance accordez-vous à l'inclusion de la taille, ainsi qu'à l'évolution des critères de beauté ?

C'est extrêmement important pour moi. Je pense que tout créateur devrait toujours avoir l'instinct naturel de vouloir habiller n'importe qui et dans n'importe quelle taille. Je suis ouverte à la création pour tout le monde et je pense que c'est un élément clé de ma collection! Je commence toujours par choisir mes mannequins pour ma collection et je leur demande toujours ce qui les met le plus en confiance lorsqu'elles portent des vêtements. À partir de là, je m'assure que les vêtements leur conviennent non seulement physiquement, mais aussi par leur comportement et leur caractère, afin que les vêtements ne les portent pas, mais qu'ils portent les vêtements.

Que devrions-nous attendre de vous dans les années à venir ?

De nouvelles saisons, de nouveaux vêtements, et encore plus de choses folles, amusantes, explosives et excitantes :)

Si vous pouviez habiller n'importe qui dans le monde, qui serait-ce et pourquoi ?

Lady Gaga! Une véritable icône, un rêve. Je me souviens quand j'étais jeune et que j'avais peur d'exprimer mes opinions. J'ai adoré la façon dont elle ne s'est pas souciée de ce que les autres pensaient d'elle et a été elle-même tout au long de sa carrière.

Pour moi, elle est aussi une artiste transcendante, qui est très en avance sur son temps et qui a soutenu la communauté LGBTQ bien avant qu’elle ne devienne la communauté que nous connaissons aujourd'hui. Elle est une grande source d'inspiration pour moi, et je ne saurais pas comment me comporter si j'avais la chance de l'habiller.

Si vous pouviez donner un conseil à votre vous du passé ou à un jeune designer, que diriez-vous ?

De ne jamais avoir peur. Maha Barhsom , une professeure extraordinaire que j'ai rencontrée au cours de ma licence, était l'une des rares à croire vraiment en moi et en ma vision des choses. Elle me disait toujours de ne jamais avoir peur, surtout de l'échec, et j'emporte cela avec moi où que j'aille.

Information sur les images

Direction artistique : Min-Ji Kim

Photographie : Wayne La

Styliste : Chantel Des Vignes
Makeup: Beth Eltringham

Mannequins : Jack, Holly Wyche, Jaban King, Simonétta Bucciarati, Xristina Prompona

Chaussures : Damla Stila