Curator: Nash Hill

While trapped in isolation for the past year, the pandemic has encouraged us to question our immediate surroundings and the relationship between body and environment. Clothing is the most intimate interaction we have with space, and the physicality of this dynamic produces instantaneous feedback, whether we seek security or comfort. Designers share the same medium and space, forced to further explore this relationship and how it impacts day-to-day life.

Lamp Lee is a London based designer, or in her own words, someone who makes “wearable things.” This nuanced perception of fashion permeates her art, characterizing her resistance to conventional definitions of clothing. The Guangzhou native’s architectural garments seamlessly fuse the two disciplines and question the core aspects of functionality. In her latest project, “Erasable,” accordion pleated paper printed with lenticular technique presented surreal imagery set on a balanced structure. Among other looks in the collection, Lee’s ability to juxtapose intense visuals with shapes rooted in structure is fascinating. I was able to ask her about the collection and learn more about her compelling artwork. 

Where are you from?

I am from Guangzhou, the south of China.

How would you describe your style as a designer? 

I prefer to say "I am someone who makes wearable things" rather than a "Fashion Designer". I have more interest in the exploration of perception. Wearing something is the indispensable medium between our sensory experience and the environment. I mean, no one will be naked in daily life. I consider dividing my main work in two directions: One is more focused on the interactivity between material and the body; the other combines technology interference. Using one word to describe, I would choose “Orderliness”.

Your work reminds me of Craig Green, I'm sure you get sometimes. I love the 'structural' approach and how that connects to your thoughts on the human experience. What are some of your inspirations or influences?

I am glad to hear his name. He has a long-term influence on my way of thinking. In my work, there are many considerations for the use of structure. I prefer to experiment with models; installation, sculpture whichever. They were like the "skeleton" of each project, established at the very beginning. In the latest project, I designed a balanced mobility structure. Then developed it into a variable system around the body. The strong sense of interaction involved people and encouraged the reflections on "opposite being". It is a dynamic process- finding balance in opposition and proceeding harmoniously. I prefer to find inspiration from reading. Fernando Pessoa, Merleau Ponty, and Kiyokazu Washida are my favorite writers.

Tell me a bit about your latest project, "Erasable." The pieces you made were incredible, the pleated fabrics are so compelling. 

The opposition between one and the other (or even more) constitute the conflict. I think this phenomenon's essence is the "whole" dispute and division at the boundary level. Redefining boundaries may be our way of transcending traditional perceptions and reduce conflicts. I find the connection from reversibility and mixed angles. [I] use the lenticular method to contain multi-information in one. It is the embodiment of the multilayer of reality. The accordion pleats are more complicated than I expected [because] accuracy must be within 2 mm to meet the ideal result. Otherwise, the images will mix. I contact the professional pleating company, and they told me that it was impossible to achieve an actual distance match. The difficulty of using fabric and using paper is [vastly] different. It took me a lot of time to compare the differences between machine works and handmade works. Also [it was difficult to] choose the final fabric that can achieve more satisfactory and controllable results.

Many designers have been reevaluating the purpose of fashion, and what clothing means. What do you believe the purpose of fashion is in 2021?

We are adapting to the new behaviors in the post-epidemic era; special events such as parties and travels are reduced; we tend to evaluate "needs" rather than an impulse. It is depressed from an economic point of view, too many companies facing collapse. But from an environmental point of view, it is a good thing. This situation pushed us to reflect on the previous irresponsible to the environment. Give the entire fashion industry a chance to slow down, and redefine our production methods, output, and circulation mode. After this pandemic, I believe fashion can return in a more eco-friendly and healthy way.

The recent pandemic has exposed a lot of problems in fashion. How do you see the industry coming out of this?

More and more people are accepting the "new normal". Environmental issues got more comprehensive awareness. More environmentally friendly methods have been optimized and popularized. I see more choice in the industry, such as digital performances, video seminars, local production, and new shipping methods. Although there will be negative thoughts at some point, no one can give an exact answer before everything arrives. I can only expect more designers to lead the industry and consumers to see farther.

Considering the fashion industry is one of the worst in terms of ecological damage, how do you approach sustainability in your design process?

In RCA, (Royal College of Art) involving sustainability has become the fundamental consideration of almost every designer's work. People use biological materials, digital simulation, recyclable fabrics, etc. Since fashion is a system, I find it difficult to evaluate its standard from a single state. I currently focus on exploring "sustainability" at the conscious level. How to irritate consumption consciousness through my works, and then influence people's behavior to achieve sustainability. We can design for "function" also design for "thinking".

How important is size inclusivity and how we view beauty?

As an Asian designer, it is not difficult to find a big difference in size between east and west. From my perspective, fashion is not just clothes, but things that happen around our bodies. As our most primitive physical space, size is [at] the beginning of the being. In this space, feeling "comfortable" is the most important thing; responding to differences, movements, physiological conditions, and touch makes the design more complete. As for how we should view "beauty", this is a massive package for me. However, we should see and cheers for our "uniqueness" instead of getting lost in a popular social "standard."

If you could have any designer's collection from fashion history, which would you choose?

Hussein Chalayan.

What should we hope to see from you in the near future?

My latest WIP will be on the RCA website around January 20. The unpredictable high-level lockdown has delayed my study plans. Recently, I am working with my partner and an IDE designer on two very different [projects]. We just want to go through this challenging time together in an achievable and playful way.

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LAMP LEE

Curateur : Nash Hill
Traduit par Juliette Jordan

Alors que nous étions enfermés depuis un an, la pandémie nous a incités à nous interroger sur notre environnement immédiat et sur la relation entre le corps et l'environnement. Le vêtement est l'interaction la plus intime que nous ayons avec l'espace, et la physicalité de cette dynamique produit une réaction instantanée, que nous recherchions la sécurité ou le confort. Les créateurs partagent le même support et le même espace, contraints d'explorer plus avant cette relation et son impact sur la vie quotidienne.

Lamp Lee est une créatrice londonienne qui, selon ses propres termes, fabrique des “objets portables”. Cette perception nuancée de la mode imprègne son art, caractérisant sa résistance aux définitions conventionnelles du vêtement. Les vêtements architecturaux de cette native de Guangzhou fusionnent harmonieusement les deux disciplines et remettent en question les aspects fondamentaux de la fonctionnalité. Dans son dernier projet, “Erasable”, le papier plissé en accordéon imprimé avec la technique lenticulaire présente une imagerie surréaliste sur une structure équilibrée. Parmi les autres créations de la collection, la capacité de Lee à juxtaposer des images intenses à des formes enracinées dans la structure est fascinante. J'ai pu lui poser des questions sur la collection et en apprendre davantage sur son travail artistique fascinant.

D'où venez-vous ?
Je suis originaire de Guangzhou, dans le sud de la Chine.

Comment décririez-vous votre style en tant que créatrice ?
Je préfère dire "je suis quelqu'un qui fabrique des objets portables" plutôt que "je suis une créatrice de mode". Je m'intéresse davantage à l'exploration de la perception. Porter quelque chose est le médium indispensable entre notre expérience sensorielle et l'environnement. Je veux dire par là que personne ne reste nu dans la vie de tous les jours. Je divise mon travail principal en deux directions : L'une est plus axée sur l'interactivité entre le matériau et le corps ; l'autre combine l'interférence de la technologie. Si je devais utiliser un seul mot pour décrire mon travail, je choisirais “Ordre”.

Votre travail me rappelle Craig Green, je suis sûr qu'on vous le dit parfois. J'aime l'approche “structurelle” et la façon dont elle est liée à vos réflexions sur l'expérience humaine. Quelles sont vos inspirations ou vos influences ?
Je suis heureuse d'entendre son nom. Il a une influence à long terme sur ma façon de penser. Dans mon travail, l'utilisation de la structure fait l'objet de nombreuses considérations. Je préfère expérimenter avec des modèles : installation, sculpture, etc. Elles sont comme le “squelette” de chaque projet, établi dès le début. Dans mon dernier projet, j'ai conçu une structure de mobilité équilibrée. Je l'ai ensuite développée pour en faire un système variable autour du corps. Le sens aigu de l'interaction a impliqué les gens et encouragé les réflexions sur "l'être opposé". Il s'agit d'un processus dynamique : trouver l'équilibre dans l'opposition et procéder de manière harmonieuse. Je préfère trouver l'inspiration dans la lecture. Fernando Pessoa, Merleau Ponty et Kiyokazu Washida sont mes écrivains préférés.

Parlez-moi un peu de votre dernier projet, “Erasable”. Les pièces que vous avez réalisées sont incroyables, les tissus plissés sont si fascinants.
L'opposition entre l'un et l'autre (voire plus) constitue le conflit. Je pense que l'essence de ce phénomène est l'ensemble des différends et des divisions au niveau des frontières. Redéfinir les frontières peut être notre façon de transcender les perceptions traditionnelles et de réduire les conflits. Je trouve la connexion à partir de la réversibilité et des angles mixtes. J'utilise la méthode lenticulaire pour contenir plusieurs informations en une seule. C'est l'incarnation de la réalité multicouche. Les plis en accordéon sont plus compliqués que je ne le pensais, car la précision doit être de 2 mm pour obtenir le résultat idéal. Sinon, les images se mélangent. J'ai contacté une entreprise de plissage professionnelle qui m'a dit qu'il était impossible d'obtenir une distance réelle. La difficulté d'utiliser du tissu et du papier est très différente. Il m'a fallu beaucoup de temps pour comparer les différences entre les travaux réalisés à la machine et ceux réalisés à la main. Il m'a également été difficile de choisir le tissu final qui permettrait d'obtenir des résultats plus satisfaisants et plus contrôlables.

De nombreux créateurs ont réévalué l'objectif de la mode et la signification des vêtements. Selon vous, quel sera l'objectif de la mode en 2021 ?
Nous nous adaptons aux nouveaux comportements de l'ère post-épidémique : les événements spéciaux tels que les fêtes et les voyages sont réduits, nous avons tendance à évaluer les “besoins” plutôt que les impulsions. D'un point de vue économique, la situation est déprimante : trop d'entreprises risquent de s'effondrer. Mais d'un point de vue environnemental, c'est une bonne chose. Cette situation nous a poussés à réfléchir sur l'ancienne attitude irresponsable à l'égard de l'environnement. Elle donne à l'ensemble de l'industrie de la mode une chance de ralentir et de redéfinir nos méthodes de production, notre rendement et notre mode de circulation. Après cette pandémie, je pense que la mode peut revenir à un mode plus écologique et plus sain.

La récente pandémie a mis en lumière de nombreux problèmes dans le secteur de la mode. Comment voyez-vous l'industrie s'en sortir ?
De plus en plus de personnes acceptent la "nouvelle normalité". Les questions environnementales ont fait l'objet d'une prise de conscience plus globale. Des méthodes plus respectueuses de l'environnement ont été optimisées et popularisées. J'observe un plus grand choix dans l'industrie, comme les représentations numériques, les séminaires vidéo, la production locale et les nouvelles méthodes d'expédition. Bien qu'il y aura des pensées négatives à un moment donné, personne ne peut donner une réponse exacte avant que tout n'arrive. Je ne peux que m'attendre à ce que davantage de créateurs mènent l'industrie et les consommateurs à voir plus loin.

L'industrie de la mode étant l'une des pires en termes de dommages écologiques, comment abordez-vous le développement durable dans votre processus de création ?
Au RCA (Royal College of Art), l'implication de la durabilité est devenue la considération fondamentale du travail de presque tous les designers. Les gens utilisent des matériaux biologiques, des simulations numériques, des tissus recyclables, etc. La mode étant un système, je trouve qu'il est difficile d'évaluer ses normes à partir d'un seul état. Je me concentre actuellement sur l'exploration de la "durabilité" au niveau de la conscience. Comment irriter la conscience de la consommation à travers mes œuvres, et ensuite influencer le comportement des gens pour atteindre la durabilité. Nous pouvons concevoir pour la “fonction”, mais aussi pour la " réflexion ".

Quelle est l'importance de l'inclusion de la taille et la façon dont nous percevons la beauté selon vous ?
En tant que créatrice asiatique, il n'est pas difficile de constater une grande différence de taille entre l'Est et l'Ouest. De mon point de vue, la mode n'est pas seulement un vêtement, mais aussi ce qui se passe autour de notre corps. En tant qu'espace physique le plus primitif, la taille est à l'origine de l'être. Dans cet espace, se sentir “ confortable ” est la chose la plus importante : répondre aux différences, aux mouvements, aux conditions physiologiques et au toucher rend le design plus complet. Quant à la manière dont nous devrions considérer la "beauté", il s'agit pour moi d'un vaste ensemble. Cependant, nous devrions voir et applaudir notre "unicité“ au lieu de nous perdre dans une ”norme" sociale populaire.

Si vous pouviez avoir la collection de n'importe quel créateur de l'histoire de la mode, lequel choisiriez-vous ?
Hussein Chalayan.

Que pouvons-nous espérer voir de vous dans un avenir proche ?
Mon dernier travail en cours sera disponible sur le site web du RCA vers le 20 janvier. Le confinement imprévisible de haut niveau a retardé mes plans d'étude. Récemment, j'ai travaillé avec mon partenaire et un concepteur IDE sur deux projets très différents. Nous voulons simplement traverser cette période difficile ensemble d'une manière réalisable et ludique.

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