R.R. PASCOE Translated by Jordan Riviere
Curator: Megan Bormann
Instagram: @rrpascoeart
Website: https://rrpascoeart.com/
Rosie Pascoe, or R.R. Pascoe stuns the viewer with the unforgettable shapes and textures she brings to her creations. Her creations are almost mystical in nature from the forms and details interworked into the pieces. She developed her taste for the unconventional but still extravagant. With names for her pieces such as Absithium and Calligraphica her work calls out to the exceptional and the out of the ordinary. Pascoe has also adapted to the pandemic by creating masks in her own style, still sticking to her aesthetic and design style. She can be admired for her creativity and attention to detail within her work as well as her inclusivity and sustainability practices.
Curator: Megan Bormann
Where are you from?
Australia’s Blue Mountains World Heritage National Park
How did you get into design?
I really fell into it through my early involvement with 90s underground dance party culture, and subsequent development of a taste for suitably unconventional and extravagant adornments, greater than my nonexistent budget would allow! So I would make whatever I could out of whatever I had, and really just fell in love with this kind of alchemic creation process.
How would you describe your style as a designer?
I’d say my style is pretty much equal parts Art Deco, and equal parts Punk.
Who or what inspires your work?
I’m inspired by the arts and cultural movements of the early 20 th Century that were happening in the lead up to the Second World War, and I’m also heavily influenced by the artistic egalitarianism and subversive aesthetic of DIY culture.
If you could change anything about the fashion industry what would it be, and why?
The environmental and humanitarian impacts of the industry; the animal exploitation, the chronic devaluation of what is considered “women’s work”, the disposability and outright contempt which lies at the heart of Fast Fashion, and the predatory profit driving mechanism of engineering and then exploiting people’s insecurities. Fashion is rapidly overtaking petroleum as the world’s most polluting industry and is a major perpetrator of modern slavery. We must do, and demand better.
Where do you see fashion going as a result of our current times?
Obviously, things like supply chains, fashion weeks, and travel are all being re-evaluated, but it’s really hard to say where anything is going as a result of what’s happening in the world right now. I feel the human race is at a crossroads and currently, everything is up in the air, and I’m waiting to see where all the pieces land. We have the option of heeding the lessons and accepting the opportunities this event is offering to us, taking to heart the witnessing of the almost miraculous and rapid positive impact that humans even momentarily stepping out picture had on the ecosystem and the fellow creatures we’ve progressively pushed to the brink, and using that experience as a building block in planning a path forward out of this mess. Or we can continue to march mindlessly into oblivion. I sincerely hope it’s the former.
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How important is sustainable/ethically made fashion and where does that fit in terms of your own design process?
I can’t justify making anything unless it has sustainability at its core, and as a result, am best known for my wearable artworks made using sustainable and salvaged materials. I’m forever torn between competing desires to create and desires to opt-out of materialist society (and at times just society altogether!), so to address this I’ve developed ways of using waste materials, found objects, natural fibres and circular production processes in my work. I’m also a big believer in the concept that restrictions drive creativity, so this
commitment to sustainability has really shaped the creative directions my work has taken. The bulk of my current collection works with hundreds and hundreds of linear meters of Zoria 12mm Manila Hemp and 9mm Toyo Paper millinery braids, which are hand-pleated and sculpted using 100% cotton thread, that with the removal of minor structural elements and embellishments, result in completely biodegradable garments. Ethical and humanitarian issues in the fashion industry have also been driving forces in my decision to keep my work in the realm of “Art” rather than fashion, where profit margins and mass production immediately encourage outsourcing and other problematic business practices. All pieces are created by me, by hand, and where component manufacturing is required, it’s commissioned from businesses with fair and safe working conditions.
What changes have you personally observed in the fashion industry/your own design process because of COVID19?
The obvious one is Masks. When I was a kid I used to make a lot of masks and recently over the past 2 or 3 years I’d been really drawn to making them again as part of the wider reaction to selfie culture and facial recognition technology which had been really building in the worlds of portraiture and wearable art. Now as a result of covid, masks are well and truly in the mainstream (and for good reason), but due I think to a remnant streak of Oppositional Defiance Disorder, the more their visibility rises, the more my inclination to make them
subsides!
How important is being size-inclusive to you?
Generally speaking, it’s work which challenges, mocks, and steamrolls stereotypes and expectations, whether they be physical, cultural, or material, that’s most exciting to me, and creating versatile garment components and accessories complementary to different bodies is an important factor when considering my designs, and also important in terms of considering the sustainability of the product.
If you could have a dinner party with 6 inspiring/intriguing people, dead or alive, who would they be and why?
This is very difficult to answer! But I’m going to say Josephine Baker, Marlene Dietrich, Laurie Anderson, Vivienne Westwood, Nina Simone, and Virginia Woolf, as they’re all women who are both pioneers in their chosen art forms, and committed activists.
Photographer Information:
Molluska and Absinthium : WearableArt Ltd
http://www.worldofwearableart.com/
https://www.instagram.com/worldofwearableart/
Other Images: R.R. Pascoe
Curatrice : Megan Bormann
Instagram : @rrpascoeart
Site personnel : https://rrpascoeart.com/
Rosie Pascoe, ou R.R. Pascoe, étonne le spectateur par les formes et les textures inoubliables qu'elle apporte à ses créations. Ses créations sont presque mystiques par nature, car les formes et les détails s'entremêlent dans ses pièces. Elle a développé un goût pour le non-conventionnel mais toujours extravagant. Avec des noms tels que Absithium et Calligraphica, son travail fait appel à l'exceptionnel et au hors du commun. Pascoe s'est également adaptée à la pandémie en créant des masques dans son propre style, tout en restant fidèle à son esthétique et à son design. Elle peut être admirée pour sa créativité et son souci du détail dans son travail ainsi que pour ses pratiques d'inclusion et de durabilité.
Curatrice : Megan Bormann
D'où venez-vous ?
Du parc national des Blue Mountains, patrimoine mondial de l'Australie.
Comment vous êtes-vous retrouvée dans le stylisme ?
Je me suis vraiment retrouvée dedans par mon engagement précoce dans la culture des soirées de danse underground des années 90, et par le développement ultérieur d'un goût pour des parures convenablement non conventionnelles et extravagantes, plus que ne le permettait mon budget inexistant ! Je faisais donc ce que je pouvais avec ce que j'avais, et je suis vraiment tombée amoureuse de ce genre de processus de création alchimique.
Comment décririez-vous votre style en tant que styliste ?
Je dirais que mon style est à peu près à parts égales Art déco et Punk.
Qui ou quoi inspire votre travail ?
Je suis inspirée par les arts et les mouvements culturels du début du XXe siècle qui se sont déroulés avant la Seconde Guerre mondiale, et je suis également fortement influencée par l'égalitarisme artistique et l'esthétique subversive de la culture du DIY.
Si vous pouviez changer quoi que ce soit dans l'industrie de la mode, ce serait quoi et pourquoi ?
Les impacts environnementaux et humanitaires de l'industrie ; l'exploitation des animaux, la dévaluation chronique de ce qui est considéré comme le « travail des femmes », le caractère jetable et le mépris total qui sont au cœur de la mode rapide, et le mécanisme prédateur de profit qui consiste à concevoir puis à exploiter l'insécurité des gens. La mode est en train de dépasser rapidement le pétrole comme l'industrie la plus polluante du monde et est un des principaux responsables de l'esclavage moderne. Nous devons agir, et exiger mieux.
Selon vous, où va la mode à l'heure actuelle ?
Il est évident que des choses comme les chaînes d'approvisionnement, les fashion weeks et les voyages sont toutes réévaluées, mais il est vraiment difficile de dire où va quoi que ce soit en raison de ce qui se passe dans le monde en ce moment. J'ai l'impression que la race humaine est à la croisée des chemins et qu'en ce moment, tout est en suspens, et j'attends de voir sur quoi tout va aboutir. Nous avons la possibilité de tenir compte des leçons et d'accepter les opportunités que cet événement nous offre, en prenant à cœur le témoignage de l'impact positif presque miraculeux et rapide que les humains ont eu, même momentanément, sur l'écosystème et les autres créatures que nous avons progressivement poussées au bord du gouffre, et en utilisant cette expérience comme un élément de base pour planifier un chemin pour sortir de ce gâchis. Ou nous pouvons continuer à marcher sans réfléchir vers l'oubli. J'espère sincèrement que c'est le premier cas.
Quelle est l'importance de la mode durable/éthique et quelle est sa place dans votre propre processus de conception ?
Je ne peux pas faire quoi que ce soit qui ne soit pas durable et, par conséquent, je suis surtout connu pour mes œuvres d'art vestimentaires réalisées avec des matériaux durables et recyclés. Je suis toujours tiraillé entre des désirs de création concurrentiels et le désir de me retirer de la société matérialiste (et parfois même de la société juste !). Pour y remédier, j'ai donc développé des moyens d'utiliser des déchets, des objets trouvés, des fibres naturelles et des procédés de production circulaires dans mon travail. Je crois aussi beaucoup au concept selon lequel les restrictions stimulent la créativité. Cet engagement en faveur de la durabilité a donc réellement façonné les orientations créatives de mon travail. La plus grande partie de ma collection actuelle est constituée de centaines et de centaines de mètres linéaires de tresses Zoria 12 mm en chanvre de Manille et 9 mm en papier Toyo, qui sont plissées et sculptées à la main avec du fil 100% coton, ce qui, en supprimant les éléments structurels et les ornements mineurs, permet d'obtenir des vêtements entièrement biodégradables. Les questions éthiques et humanitaires dans l'industrie de la mode ont également été des forces motrices dans ma décision de maintenir mon travail dans le domaine de l’« Art » plutôt que dans celui de la mode, où les marges bénéficiaires et la production de masse encouragent immédiatement l'externalisation et d'autres pratiques commerciales problématiques. Toutes les pièces sont créées par moi, à la main, et lorsque la fabrication de composants est nécessaire, elle est commandée à des entreprises offrant des conditions de travail équitables et sûres.
Quels changements avez-vous personnellement observés dans l'industrie de la mode ou dans votre propre processus de création grâce à la COVID19 ?
Le plus évident est celui des masques. Quand j'étais enfant, je fabriquais beaucoup de masques et récemment, au cours des deux ou trois dernières années, j'ai été très attiré par la possibilité d'en refabriquer dans le cadre de la réaction plus large à la culture égoïste et à la technologie de reconnaissance faciale qui s'était vraiment développée dans le monde du portrait et de l'art vestimentaire. Aujourd'hui, grâce à la covid, les masques sont bel et bien en vogue (et pour de bonnes raisons), mais en raison, je pense, d'un reste de trouble oppositionnel avec provocation. Plus leur visibilité augmente, plus je suis enclin à les rapetisser !
Quelle est l'importance de l’inclusion pour vous ?
D'une manière générale, c'est le travail qui remet en question, se moque et bouscule les stéréotypes et les attentes, qu'ils soient physiques, culturels ou matériels, qui me passionne le plus. La création de composants et d'accessoires vestimentaires polyvalents et complémentaires à différents corps est un facteur important dans la réflexion sur mes conceptions, et également important en termes de prise en compte de la durabilité du produit.
Si vous pouviez organiser un dîner avec 6 personnes inspirantes/intrigantes, mortes ou vivantes, qui seraient-elles et pourquoi ?
Il est très difficile de répondre à cette question ! Mais je vais dire Josephine Baker, Marlene Dietrich, Laurie Anderson, Vivienne Westwood, Nina Simone et Virginia Woolf, car ce sont toutes des femmes qui sont à la fois des pionnières dans leurs formes d'art choisies et des militantes engagées.
Informations sur les photographes :
Molluska et Absinthium : WearableArt Ltd.
http://www.worldofwearableart.com/
https://www.instagram.com/worldofwearableart/
Autre image : R.R. Pascoe
